Y avait-il besoin d’un film sur Nicolas Sarkozy ?

La question se pose, tant l’homme a en quelques années monopolisé la vie politique et les médias. Si l’idée de le revoir au cinéma ne réjouit donc pas nécessairement, il serait pourtant dommage de s’arrêter à cet à-priori, car le film n’est ni “pour” ni “contre” mais bien “sur” Nicolas Sarkozy.

La Conquête nous raconte donc précisément l’ascension de Nicolas Sarkozy, depuis son arrivée au gouvernement jusqu’au soir du 6 mai 2007, soit cinq années de luttes, de conflits et de coup-bas dont la mécanique est bien retranscrite.

Mais si vous vous attendiez à une description de la vie politique française, vous allez être déçu. Dans La Conquête, les politiciens ne font pas de politique : ils manigancent, intriguent, complotent, raillent les adversaires, ou sortent de bons mots, mais, jamais, ô grand jamais, ne font ce que l’on peut attendre d’eux (réfléchir à des solutions, diriger, etc.). La moindre réflexion n’a qu’un seul objectif : comment l’emporter sur les autres. D’où un tableau d'un monde politique fortement arriviste, et où finalement la politique et le peuple n’ont pas leur place.

La vie privée de Nicolas Sarkozy étant mêlée à sa vie politique (Cécilia Sarkozy ayant été sa conseillère sur cette période), le film mêle intrigues politiques et mélodrame, l’accent étant mis sur les relations entre Nicolas et Cécilia, sa victoire de 2007 sonnant clairement ici comme une victoire à la Pyrrhus.

Mais le plus gênant dans La Conquête n’est pas dans ces sentiments (ils aérent le film).

Le carton du début nous prévient, le film est une fiction, inspirée de faits réels. Problème : les évènements décrits sont encore dans nos esprits, et on se demande en permanence où est le réel et où est la fiction ? Le film navigue ainsi tout du long entre le vrai et le faux, sans que l’on puisse les discerner, ce qui est franchement dérangeant (surtout lorsqu’on touche à l’intimité d’un couple).

Un rapport au réel d’autant plus important que le choix des acteurs est une vraie réussite. Le travail de Denis Podalydès est bluffant, tant il parvient à jouer le rôle de façon convainquante. Mention spéciale pour le reste du casting, tout à fait à la hauteur.

Gantz c'est tout d'abord un manga à succès. Puis ensuite le manga a été adapté en anime. Puis enfin en film avec des acteurs pour de vrais dedans. Gantz c'est aussi une histoire "de boule", c'est dire si j'étais impatient de voir le film... (roohh elle était facile celle-là   )

De nos jours, au Japon.

Deux amis d'enfance se font écraser dans une rame de métro. Surprise, ils réapparaissent dans un appartement qu'ils ne connaissent pas, en compagnie d'inconnus. Au centre de la pièce, une grosse boule noire qui leur intime l'ordre d'assassiner rapidement (20 min) un étrange personnage, probablement extra-terrestre...

Première inquiétude : est-ce que le passage de l'écrit à l'écran allait se faire sans trop de casse ? Pari tenu par le réalisateur qui livre un travail propre et net, qui respecte bien le matériel d'origine. "Gantz, au commencement" reprend les premiers tomes du manga, conserve des passages gores (ce qui est très étonnant d'ailleurs), et édulcore les passages osés. Mention très bien à la "boule noire" et aux téléportations, a priori assez casse-gueule à retranscrire sur grand écran. 

Le début du film s'avère en fait passionnant : on pense un peu à la "Quatrième dimension", et l'on cherche en même temps que les personnages à comprendre. Malheureusement au fur et à mesure que l'intrigue avance, et que les révélations s'enchaînent, l'histoire perd un peu de son intérêt pour se tourner vers l'action pure et dure. C'est un peu comme si passée la première heure, le film ne savait plus trop vers quoi aller, et on y perd en intensité. A noter une dernière scène d'action un peu molle du genou, et surtout des effets spéciaux un peu à la ramasse (alors que tout au long du film, ça se tient bien).

Autre soucis : le film n'a pas de vraie fin. Forcément me direz-vous puisque le manga est encore en cours de publication (les amateurs de bd nipponnes me confirmeront la chose). Du coup, on se retrouve à devoir attendre la suite. Un second film est déjà sorti au Japon, espérons que l'éditeur français le sortira rapidement. Mais quand bien même ! Verra-t-on jamais la fin de cette histoire ? Mystère...

Globalement, Gantz est un agréable film qui se laisse regarder avec un plaisir non-dissimulé. Conseillé.

Mon premier pocketfilm, tourné avec un appareil photo Canon Digital Ixus 70.

Au départ, je voulais faire une série de photos de ces volets rouillés, et puis finalement j'en ai fait un film.

Je pensais remonter le rush en ajustant mieux le son, ajouter une musique mystérieuse, refaire la voix off, et puis finalement je l'ai monté dans jaycut.com l'après-midi même du tournage.

Si ce pocketfilm vous a plu, n'hésitez pas à laisser un petit commentaire ! Et quoiqu'il en soit, merci d'avoir pris le temps de regarder mon film ! ^^

Vendredi, 14h00, je me pointe à la séance du début d'après-midi de Black Swan. Il y a dans la salle 4 petites vieilles, qui discutent en attendant le film. "Vous allez voir, c'est un film sur la danse, comme quoi c'est difficile d'être danseuse...". Je souris intérieurement : si Darren Aronofsky reste dans le même ton que ses films précédents ça va valoir le coup de jeter un oeil sur les petites vieilles pendant le générique de fin. Trépanation à la perceuse (dans π), shoot hallucinant (Requiem for a Dream), catcheur looser à la reconquête d'une gloire passée : le réalisateur ne fait pas franchement dans le consensuel et le grand public... Chouette !
16h00. La musique de Tchaïkovski se termine, le film aussi et j'ai les larmes aux yeux.
Du coin de l'oreille, j'entends des voix âgées : "C'était ... spécial." "Ah oui hein, c'est vraiment bizarre comme film, mais j'ai bien aimé !". Je veux mon n'veu ! 
Black Swan est une énorme claque. Que s'est-il passé pendant 2 h ?

Nina (Nathalie Portman, impressionnante) est danseuse classique dans un ballet réputé de New York. Timide, discrète, mais du genre travailleuse et perfectionniste, Nina a du talent. On doit lui donner le prochain grand rôle d'une nouvelle version du Lac des Cygnes. Problème : si elle sera à coup sûr parfaite en cygne blanc, le directeur de la troupe s'interroge : Nina saura-t-elle libérer son côté sombre pour danser comme un cygne noir ?...

Il y a plusieurs niveaux de lectures dans Black Swan.
Darren Aronofsky y convoque des influences des plus riches : Cronenberg (et son rapport masochiste au corps), De Palma (on pense à Carrie), Polanski (son inquiétante étrangeté et son Répulsion) et même Argento (Black Swan peut être vu comme une vision moderne de Suspiria). Mieux que la somme de toutes ces influences, Black Swan propose quelque chose de nouveau à mi-chemin entre le mélodrame et le film d'horreur. Darren Aronofsky nous propose de suivre Nina comme nous suivions Mickey Rourke dans The Wrestler, d'être à ses côtés sur scènes (les danses sont remarquablement filmés tout en fluidité aérienne) comme dans la vie. Nina a un gros soucis : elle cherche tellement à contrôler ses actions, la perfection, qu'elle ne "vit" plus. Coincée entre son métier et sa mère (elle même ex-danseuse qui a abandonné une carrière de danseuse pour l'élever), la psychée de Nina s'embrouille, se fissure (voir l'affiche) et Darren Aronofsky filme cette déchéance comme un film fantastique (nombreuses scènes d'horreur). Pour devenir le black swan, il lui faudra découvrir le sexe et la drogue, sortir d'elle-même, au risque de se brûler les ailes...
Les 20 dernières minutes sont exceptionnelles, entre une utilisation magnifique des effets numériques, et la grâce du ballet, Darren Aronofsky nous laisse comme transi d'émotion. Si on m'avait dit un jour que j'aurais pu frissonner devant un spectacle de danse classique, je n'y aurais pas cru.

Au-delà du film, la comparaison avec The Wrestler est immanquable et intéressante. Aronofsky utilise le même principe de suivre ses personnages caméra à l'épaule, comme pour mieux nous y faire croire. Comme dans The Wrestler, le rapport au corps, à la chair, est primordiale et la quête de la gloire un objectif aussi futile que fatal. Dans The Wrestler, le ring est un lieu de violence et de chaos, les vestiaires un lieu fraternel (où les catcheurs s'entraident). Dans Black Swan, c'est l'inverse : si la scène est lieu de pureté et de grâce, les coulisses sont un vrai nid de serpents. Les deux films explorent les relations enfants-parents (comme Requiem for a dream d'ailleurs d'une certaine façon). Et si Black Swan fonctionne très bien tout seul, il s'enrichit avec la comparaison.

Enfin, dernier niveau de lecture, très intéressant, Black Swan et The Wrestler proposent un "métafilm" à travers son casting. Nathalie Portman est Nina, c'est une actrice de talent, à l'image assez lisse et propre, mais qui n'a jamais eu son grand rôle (Léon ?). Mickey Rourke était son personnage, réellement. Un looser qui rêve de nouvelle gloire. Dans Black Swan, l'ancienne vedette du ballet, remplacée car jugée minable et dépassée, est jouée par... Wynona Ryder (méconnaissable), actrice dont la carrière est en chute libre depuis quelques années.

Le film connait un succès étonnant aux USA : ayant coûté moins de 10 millions de dollars il en a déjà rapporté 100 millions. Comme quoi, malgré un sujet difficile, le talent est parfois reconnu.

N'empêche, avec David Fincher et Christopher Nolan, on tient avec Darren Aronofsky l'un des plus grands réalisateurs des années à venir. Allez-y, courez-y, démerdez-vous, mais allez voir Black Swan.

Oubliez les films d'horreur américains, oubliez tous vos préjugés sur le genre, et laissez-vous glisser doucement dans l'un des plus fabuleux films fantastiques transalpin : Suspiria...

Susy, adolescente américaine, arrive en allemagne pour y suivre des cours de danse classique dans une école réputée. Mais lorsque Susy arrive, l'établissement est secoué par un drame : une des étudiantes vient d'être sauvagement assassinée par un maniaque. Une ambiance lourde et pesante s'installe dans l'école, d'autant plus que d'étranges phénomènes font leur apparition : pluie de vers, voix d'outre-tombe... 

Suspiria est souvent considéré comme l'un des plus grands films de Dario Argento, maître de l'horreur italienne dans les années 70 et 80. Si depuis le Maître a un peu perdu de son éclat et de sa notoriété, force est de reconnaître le talent d'un réalisateur totalement barré. Car Suspiria est un voyage à travers les sens totalement violent et sanguinolent. Ne touchez pas à votre écran : les couleurs sont volontairement saturées, les rouge explosent à l'image et contrastent avec les bleu glaçants. Suspiria avant tout chose est beau. C'est un film essentiellement graphique, basé sur l'utilisation des couleurs et du cadrage. Rapidement, on peut décrocher de l'histoire, somme toute classique, pour se concentrer sur la beauté de l'image, des décors, des architectures (avec des bâtiments de fous furieux). Un film très différent des autres, où la sensation est plus importante que l'intellect. Susy, "Alice" moderne, traverse le miroir de l'adolescence pour découvrir un monde étrange, et mortel.

Et il n'y aura pas que la rétine à fonctionner pendant la séance ! Argento a fait appel à un groupe appelé les Goblins pour composer la musique de sa fresque horrifique. La musique, très présente, très envahissante, nous accapare pour ne plus nous lâcher. La petite ritournelle tournera longtemps dans votre esprit après la vision du film.

Argento réussissait là un coup de génie. Wild Side a eu la bonne idée de restaurer le film, qui regagne des couleurs et du contraste. 
Un pur chef d'oeuvre.